L’Artwork Present, la foire d’artwork annuelle (et l’un des originaux), organisée par l’Artwork Sellers Affiliation, a ouvert ses portes au Park Avenue Armory hier soir pour accueillir les foules habituelles de collectionneurs et de connaisseurs vétérans, dont beaucoup de la région voisine de Higher Quartier East Facet. Bien que cela donne à la foire une ambiance locale, l’édition de cette année, qui célèbre le 60e anniversaire de l’affiliation, est la plus grande itération du salon à ce jour. Avec 78 galeries membres participantes, il y a une vaste gamme de travaux à effectuer, mais le plan d’étage soigneusement aménagé avec seulement quelques allées verticales rend la foire facile à naviguer.
Comme la plupart des autres foires d’artwork touchées par la pandémie, The Artwork Present a fait une pause pendant le pic de la pandémie (c’était l’une des dernières grandes foires à avoir lieu IRL en 2020, alors qu’elle se tenait plus tôt dans le calendrier) mais est maintenant de retour en drive. Et l’enthousiasme à la réception bondée était palpable.
Le collectionneur d’artwork et acteur Cheech Marin—qui fait partie de la programmation de la foire d’artwork cette année, en tant que conférencier vedette, était présent pour la soirée d’ouverture mercredi soir, qui profite au Henry Avenue Settlement dans le Decrease East Facet de New York. Sa dialogue jeudi soir, avec le rédacteur en chef d’Artnet Information Andrew Goldstein, se concentrera sur la façon dont il a formé l’une des collections prééminentes d’artwork chicano dans le monde, et son musée récemment ouvert, le Cheech Marin Heart for Chicano Artwork & Tradition of Riverside Artwork Museum – familièrement appelé The Cheech – en Californie.
Étaient également présents mercredi soir la présidente émérite du MoMA et grande collectionneuse Agnes Gund, le collectionneur et fondateur de la FLAG Artwork Basis Glenn Fuhrman, ainsi que le nouveau directeur d’Artwork Basel Noah Horowitz et la directrice de l’Armory Present Nicole Berry. Voici quelques-uns des incontournables qui ont retenu notre consideration alors que nous rôdions dans les allées.
J’ai trop aimé les étoiles pour avoir peur de la nuit (2022)
JOANA CHOUMALI
Joana Choumali, J’AI TROP AIMÉ LES ÉTOILES POUR AVOIR PEUR DE LA NUIT (2022). Picture : courtoisie de l’artiste et de Sperone Westwater.
Stand: Sperone Westwater, New York
Ce que ça coûte : 25 000 $
Pourquoi c’est spécial : La galerie a présenté une exposition personnelle de sept nouvelles œuvres photographiques de l’artiste ivoirienne Joana Choumali points de sa dernière série, “Alba’hian”, intitulée d’après un mot Agni qui met en évidence la puissante énergie qui accompagne les premières lueurs du matin. Chournali se lance dans des promenades quotidiennes entre 5h et 7h du matin, photographiant souvent le paysage d’Abidjan à l’aube.
Ces œuvres sont créées avec un mélange de matériaux et de methods, notamment le collage, la broderie, le matelassage et le photomontage. Choumali construit ces pictures du petit matin en superposant des couches de toile transparente et de peinture dorée et en ajoutant d’autres photographies, telles que des silhouettes de personnages ou des scènes calmes sur des routes vides. Elle appelle l’aube “un second magique, où il y a un sens du dialogue entre la réalité et le rêve”.
Son travail fait partie de collections telles que le Metropolitan Museum of Artwork, New York ; le Excessive Museum of Artwork d’Atlanta; Musées d’artwork de Harvard, Cambridge; Musée de la Photographie de Saint Louis, Sénégal ; le Musée d’Artwork Contemporain Africain Al Maaden (MACAAL), Marrakech ; la Assortment du Prix Pictet, Genève ; et le Victoria and Albert Museum de Londres.
—Eileen Kinsella
L’Anéide 1876 /1990 (2022)
BETHANY COLLINS
Béthanie Collins, L’Anéide 1876/1990 (2022). Picture reproduite avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Patron Gallery, Chicago. Photograph : Evan Jenkins.
Stand: Patron Gallery, Chicago
Ce que ça coûte : 30 000 $
Pourquoi c’est spécial: Le diptyque bleu abyssal accrocheur de Collins faisait partie d’une plus grande exposition de groupe axée sur “l’eau” sur le stand du nouveau membre de l’ADAA et premier exposant Patron Gallery, de Chicago. La directrice mécène Julia Fischbach a expliqué que le diptyque fait partie d’une série axée sur L’Odyssée et L’Anéide, dans lequel l’artiste a examiné plus de 100 traductions différentes du même texte grec authentic pour examiner en quoi elles diffèrent et remark la langue est décomposée. Ici, comme pour la plupart des œuvres de la série, il y a une comparaison directe des traductions dans les pictures côte à côte, qui sont présentées sur du papier bleu foncé fait à la primary. Les lignes sont obscurcies par l’artiste attachant des morceaux de papier tamponnés dans sa propre salive. “C’est très physique et ils ont cette belle texture”, a déclaré Fischbach. “En fin de compte, elle met son propre ADN là-dedans, même s’il s’agit d’autre selected.”
—Eileen Kinsella
Cyano-Collage 150 (2022)
WU CHI-TSUNG
Wu Chi-Tsung, Cyan-Collage 150 (2022). Picture : avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Sean Kelly.
Stand: Galerie Sean Kelly, New York et Los Angeles
Ce que ça coûte: 65 000 $
Pourquoi c’est spécial : Tant de choses entrent dans la création du méditatif, induisant la sérénité de Wu Chi-Tsung Cyano-Collagescomme cet éventail géant en forme d’éventail, qui ancre les œuvres dans la présentation solo du stand, créé spécifiquement pour le salon.
Ils sont un mélange fascinant de peinture à l’encre classique chinoise, dans laquelle l’artiste est formé, ainsi que des methods photographiques de pointe qu’il a utilisées pour les créer. Chi-Tsung prépare des couches de cyanotype photographique papier, traité avec un revêtement photosensible, qui sont froissés, exposés au soleil, développés puis montés sur métal. Les produits finis sont des collages qui font allusion aux paysages trouvés dans les peintures chinoises shan shui. Tout au lengthy de sa pratique, l’artiste relie l’artwork de l’Orient et de l’Occident cultures pour mélanger l’esthétique traditionnelle dans un contemporain Langue. Découvrez ce court docket métrage, réalisé avec la galerie, sur l’inspiration et le processus de travail de Chi-Tsung.
—Eileen Kinsella
Sans titre (vers les années 1930)
Paulina Peavy
Pauline Peavy, Sans titre (vers les années 1930). Picture : avec l’aimable autorisation de la galerie Andrew Edlin.
Stand: Galerie Andrew Edlin
Ce que ça coûte : 32 000 $
Pourquoi c’est spécial : Peavy est un autre exemple classique d’une artiste féminine sous-estimée qui a suscité peu d’consideration au cours de sa vie – ou pire a été rejetée pour un sujet lié à l’occultisme jugé trop provocateur à l’époque. Cela a changé au cours de la dernière année, en partie grâce à la représentation de l’artiste par Edlin, ainsi qu’à son placement et à sa réception de premier plan lors de l’édition 2021 de “Better New York” au MoMA PS 1.
Il s’agit de l’une des trois œuvres exposées dans cette exposition qui faisaient partie d’une série commandée pour l’Exposition internationale du Golden Gate de 1939, qui s’est tenue sur Treasure Island à San Francisco. Pour décider des commissions, l’Exposition disposait d’une foule de jurés, dont l’un était « enchanté par les thèmes occultes Peavy encodé dans ses peintures et leur potentiel d’activation de l’humanité », selon un livre à paraître de la romancière Laura Whitcomb.
La carrière de Peavy a duré la majeure partie du XXe siècle et elle a été témoin de grands moments de transformation de la tradition américaine, tels que le mouvement pour le suffrage des femmes, l’ère des droits civiques, l’ère spatiale, les révolutions sexuelles et plusieurs guerres. “Peavy a répondu à ces changements avec son travail et a également expliqué les fondements ésotériques et occultes de son creativeness artistique”, a déclaré la galerie.
Au cours des années 1920 et 1930, Peavy a sondé les portées de la littérature et de la philosophie ésotériques disponibles et a rejoint les rangs d’autres artistes-canalisatrices, dont Hilma af Klint, Georgiana Houghton, Emma Kunz, Agnes Pelton et Ithell Colquhoun.
—Eileen Kinsella
papou (1983)
PACITE ABAD
Papou (1983) de Pacita Abad. Avec l’aimable autorisation de la galerie Tina Kim
Stand: Galerie Tina Kim, New York
Ce que ça coûte : 200 000 $
Pourquoi c’est spécial : La determine centrale ressemblant à une déesse du soleil représentée sur cette courtepointe ornée est ornée de cauris, de miroirs et de perles népalaises, reflétant les methods qu’Abad a apprises au cours de ses nombreux voyages dans Asie du Sud-Est, Moyen-Orient, Afrique, ainsi que partout aux États-Unis
Le 7,5 pieds de haut papou est en attente pour une establishment publique, selon la galerie, qui a consacré tout son stand à la présentation solo de l’artiste d’origine philippine. Abad (1946-2004) fera l’objet d’une rétrospective itinérante qui ouvrira au Walker Arts Heart au printemps 2023, suivie de le musée d’artwork moderne de San Francisco et un musée de New York encore inédit en 2024. D’autres musées qui ont acquis son travail incluent le musée Guggenheim à New York et la Tate à Londres.
—Katya Kazakina
J’irai voir le Dennest (vers 1979)
NELLIE MAE ROWE
J’irai voir le Dennest (vers 1979) de Nellie Mae Rowe. Photograph : avec l’aimable autorisation de la succession de Nellie Mae Rowe/Artists Rights Society (ARS), New York ; by way of la Fondation William Louis-Dreyfus, Mount Kisco, New York.
Stand: David Zwirner, New York
Ce que ça coûte : les prix varient de 28 000 $ à 35 000 $
Pourquoi c’est spécial : Artiste noir autodidacte, Rowe (1900-1982) a grandi en Géorgie, une génération après l’abolition de l’esclavage. Enfant, elle travaillait dans la ferme familiale tout en dessinant et en fabriquant des poupées à partir de vêtements trouvés. À l’âge adulte, elle subvenait à ses besoins grâce au travail domestique pour les ménages voisins tout en transformant sa propre maison à l’extérieur d’Atlanta en un monde fantastique, avec des poupées et des objets fantaisistes accrochés aux branches d’arbres et aux buissons de sa cour. Influencée par la confection de courtepointes, que faisait sa mère, elle crée des œuvres à partir de papier, de tissu, de cartons alimentaires et de boîtes à chaussures. Des oiseaux et des fleurs apparaissent sur ses pièces aux côtés de personnalités locales et de références à l’actualité.
Son travail chez Zwirner provient de la Fondation William Louis-Dreyfus et des collections familiales à Mount Kisco, New York, et est présenté aux côtés d’œuvres sur papier de ses collègues artistes Outsider James Fortress et Invoice Traylor.
—Katya Kazakina
Cathédrale végétale (1957)
REMÈDES VARO
Catedral Vegetal (Cathédrale Végétale) par Remedios Varo. Photograph : avec l’aimable autorisation de la Galerie Wendi Norris.
Stand: Galerie Wendi Norris, San Francisco
Ce que ça coûte : 4,5 thousands and thousands de {dollars}
Pourquoi c’est spécial : La conservatrice Cecilia Alemani voulait inclure ce tableau dans son exposition à la Biennale de Venise, “Le lait des rêves”, mais le propriétaire anonyme basé au Mexique ne voulait pas le prêter, il voulait le vendre. Maintenant, la peinture surréaliste est cachée à l’arrière du stand de la galerie Wendi Norris.
La peinture mystique représente une determine féminine à l’intérieur d’une machine volante qui ressemble à un confessionnal, tirée par un dragon. Une deuxième silhouette fantomatique apparaît faiblement dans une autre fenêtre de l’engin. Le cadre est une forêt qui culmine dans un dôme en forme de cathédrale, la nature se transformant en structure, l’intérieur et l’extérieur entrelacés. Un panache de fumée ajoute une touche de magie à la scène.
Né en Espagne, Varo a vécu à Paris mais s’est enfui au Mexique en 1941, au second même où le fascisme se répandait dans toute l’Europe. Le plafond voûté du Cathédrale végétale a été inspiré par la cathédrale de l’Alhambra à Grenade, selon Norris.
—Katya Kazakina
Plus d’histoires tendance :
Dans une découverte “une fois dans une vie”, des archéologues suédois ont mis au jour une cache d’argent viking qui a toujours l’air neuve
Sarah Biffin, la célèbre miniaturiste victorienne née sans mains, reçoit maintenant son premier grand spectacle en 100 ans
Une peinture que la Nationwide Gallery a déterminé qu’elle n’était pas de Vermeer sera de toute façon exposée dans la méga-exposition Vermeer du Rijksmuseum
Il a fallu huit ans, une armée d’ingénieurs et 1 600 livres de chaînes pour donner vie à la profonde méditation de l’artiste Charles Gaines sur l’Amérique. Maintenant, c’est ici
“J’aurai des spectacles formidables à titre posthume”, a déclaré Hedda Sterne. Elle avait raison – et maintenant l’artiste décédée obtient la reconnaissance qu’elle méritait
Cliquez ici pour voir nos dernières enchères Artnet, en direct maintenant
Suivez Artnet Information sur Fb :
Vous voulez garder une longueur d’avance sur le monde de l’artwork ? Abonnez-vous à notre publication pour recevoir les dernières nouvelles, des interviews révélatrices et des critiques incisives qui font avancer la dialog.
